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藝術暢銷書作者顧爺再出擊！ 這一本讓你愛上中國畫 ▌原本提不起勁，說不清中國畫美在哪？ ▌ 顧爺為何突然開竅？ 原來，只怪……當時太年輕，終於等到時候了 「我已經到了老掉牙的年紀了，可以開始寫中國畫。」──顧爺 ▌中國畫就是一個酷老頭，總有一天你會愛上他 ▌ 顧爺帶團穿越時空，認識中國畫的13大IP 梗圖給好給滿的藝術脫口秀 宋朝人的一天｜唐朝女人出遊穿搭｜古人復活操作指南 女史箴圖｜洛神賦｜清明上河圖｜簪花仕女圖｜輞川圖…… 讓你用笑聲練腹肌的藝術健身房 ▌不怪中國畫，只是需要頁頁有梗圖的藝術脫口秀？！！ 《清明上河圖》，只畫了汴京城一小段，卻讓我們high了一千年？ 《遊春圖》就像是隋代的iPhone 9，為什麼會在1964年忽然問世？ 《女史箴圖》身為影響人類的100大藝術品，其實是一支「古代MV」？若不看文字，簡直就是古代美女圖卷，誰想得到是教導女人守婦道的女德教材！ 《洛神賦圖》是一個不折不扣的愛情故事。一個王子愛上妖精，後來反悔，再後來又反悔當初的反悔故事。 《簪花仕女圖》中的胖姑娘為何不開心？他們羨慕楊貴妃，但她最後卻落得被愛人賜死的下場。 古代女人出門究竟有多麻煩？為了圖方便，虢國夫人竟女扮男裝？ 《照夜白圖》可不只是一匹馬，原來是唐玄宗名下的一匹「進口超跑」？ 古代3D電影放在詩人王維面前，根本不值得一提，因為他居然在唐朝就拍了部「韓劇」？！ 《馬王堆Ｔ型帛畫》出自中國歷史上最著名的屍體，別小看這件衣服，古人死而復生就靠它？ 為什麼人死了上西天，不是上東天？古人對死亡的理解，不是遊戲結束，而是另一種型態的開始。君王貴族若能搭上往生電梯，找到西王母取得長生不老藥，就是他們夢寐以求的頭等艙機票！別覺得古代人幼稚，歷史上有不少號稱親眼見過西王母的「目擊證人」，甚至還跟他談過戀愛？！ 頁頁有梗圖……讀著讀著，噗～笑出聲。 ▌國畫給人「老掉牙」的感覺，下一句該接：「其實不是這樣的……」 但顧爺沒打算這麼接話，因為中國畫實在就是個老氣橫秋的東西。他一直有提筆障礙，直到有一天，他突然聽到一個聲音，忽遠忽近對他說：「時候到了，該寫了！」那聲音來自這本書編輯，也是他的好友，當時電話通訊不大好。他開始著手，起初抱著一種嘗試的心態，心想即使寫砸了……也是編輯的責任。但他居然發現寫著寫著開始愛上這老掉牙的東西了，忽然意識到自己已經步入中年。 ▌年紀到了，遲早愛上「酷老頭」

一段探索美、發現光，發現自我的藝術之旅「把自己眼睛看到的東西放進畫布裡，這個畫布就變成一個畫面。透過有限的畫布，去呈現你眼睛看到的無限。」——旅英原住民藝術家／優席夫來自花蓮馬太林部落的孩子，如何掙脫社會成見、追隨內心渴望的道路？ 曾經的樂團歌手，為何失意離鄉，又如何以享譽國際的畫家身分重返故鄉？臺灣知名藝術家優席夫，成長於阿美族部落，發跡於英國愛丁堡，往來於倫敦、紐約、柏林畫廊與各大藝術節。他的創作經常表現鮮豔飽滿的色調，而在歡快的畫布背後，隱含對社會批判、環境關懷，以及族群關係的探討。優席夫的創作土壤，來自獵人父親、原住民基因、玉里金針花海，也來自愛丁堡的自由光輝、藝術氣息、貴人提攜。他用畫筆，調合世間矛盾的色調；他從自然，挖掘激發靈感的色彩；所以他相信，每個人都能從藝術裡，找到自我本色。本書從孕育他的部落文化開始，展開這位藝術家曲折而戲劇化的生命歷程，訴說他由徬徨困頓、遠走他鄉，直到撕下社會標籤、確定身分認同，最後全然接納自我，回鄉引進藝術教育、發揚部落文化價值，在創作中發現真實自我的故事。

《游藝．逸遊：日本名畫家の世界》彙集《藝術家》雜誌執行編輯羅珮慈於2018年10月號至2022年3月號「名家傑作」單元連載介紹的日本名畫家，作者從個人生活經驗出發，分享日本藝術史上的名家傑作與其的當代交集，進一步在踏尋畫家生命影蹤、分析作品內涵之際，傳達歷史做為一種有知有覺的生活方式的可能性，而各自精采的他們聚合拉出的時間軸，使人能夠掌握日本藝術流變的脈絡。 《游藝．逸遊：日本名畫家の世界》從率先登場的土佐光吉及其源氏繪樣式的討論，入門大和繪自10世紀平安時代國風文化至16世紀下半葉桃山時代「破格之美」的發展，進而探討秉持粉本主義的狩野派在桃山時代至江戶時代寬永文化展現的過渡性格和轉折歷程。隨後焦點推移至以及時享樂、豪爽灑脫的庶民文化著稱的江戶時代，此時期的畫家擅長融會貫通各式新舊表現技巧，創作出帶有機智詼諧、奇思妙想的畫面。 進入明治時代後，伴隨各種「文明開化」的舉措，新式美術制度引進的西洋風氣席捲日本畫壇，繪畫範疇出現洋畫／日本畫之分；此時的繪畫作品，一方面成為庶民表現自身文化水準的擺設，另一方面因殖產興業政策致力於將日本傳統工藝推向國際市場，成為陶器、染織織品等工藝設計的參考圖騰，做為日本製品的象徵。經由高橋由一乃至青木繁等人的洋畫表現，可以察覺日本的文化意趣和美學意識與歐美繪畫技法及學理的融合；藉由柴田是真等藝術家的花鳥構圖，理解歐美人士對滿溢動植物生命力的華美畫面愛不釋手的原因；通過竹內栖鳳等人的日本畫形象，觀察受到西洋繪畫風尚刺激的日本畫逐漸掙脫江戶時代的模樣，在寫實的基調上注入古典、浪漫的情懷，並在官辦展覽的推波助瀾下百家齊鳴。 到了個人解放、民主主義、女性意識等思潮泛濫的大正時代以降，日本都市文化帶動現代消費社會的規模，各式刊物模糊純藝術與設計、工藝等實用美術的邊界。在調融異國情調的曖昧、飄渺、迷離氣氛裡，鏑木清方、上村松園等透過畫筆下群芳姿態內蘊的情感，剖白個人生命的感知和心聲；又或者像是川瀨巴水、奧村土牛等，在旅行中凝視日常，進而在畫面裡抒發哲思及眼界。 羅珮慈的書寫不僅止於知識的載體，她以彼時落筆的節令或個人經驗做為引子，筆下生命片段的來龍去脈，更能成為「逸遊」的指南，使讀者可以透過文字，踏尋這些已化作星辰的畫家影蹤，漫步於古今生命的浮光掠影交織而成的獨特日本藝文之旅。 本書分成①、②兩冊，四十二個畫家輪番上陣，按照出生先後順序排列，

《游藝．逸遊：日本名畫家の世界》彙集《藝術家》雜誌執行編輯羅珮慈於2018年10月號至2022年3月號「名家傑作」單元連載介紹的日本名畫家，作者從個人生活經驗出發，分享日本藝術史上的名家傑作與其的當代交集，進一步在踏尋畫家生命影蹤、分析作品內涵之際，傳達歷史做為一種有知有覺的生活方式的可能性，而各自精采的他們聚合拉出的時間軸，使人能夠掌握日本藝術流變的脈絡。 《游藝．逸遊：日本名畫家の世界》從率先登場的土佐光吉及其源氏繪樣式的討論，入門大和繪自10世紀平安時代國風文化至16世紀下半葉桃山時代「破格之美」的發展，進而探討秉持粉本主義的狩野派在桃山時代至江戶時代寬永文化展現的過渡性格和轉折歷程。隨後焦點推移至以及時享樂、豪爽灑脫的庶民文化著稱的江戶時代，此時期的畫家擅長融會貫通各式新舊表現技巧，創作出帶有機智詼諧、奇思妙想的畫面。 進入明治時代後，伴隨各種「文明開化」的舉措，新式美術制度引進的西洋風氣席捲日本畫壇，繪畫範疇出現洋畫／日本畫之分；此時的繪畫作品，一方面成為庶民表現自身文化水準的擺設，另一方面因殖產興業政策致力於將日本傳統工藝推向國際市場，成為陶器、染織織品等工藝設計的參考圖騰，做為日本製品的象徵。經由高橋由一乃至青木繁等人的洋畫表現，可以察覺日本的文化意趣和美學意識與歐美繪畫技法及學理的融合；藉由柴田是真等藝術家的花鳥構圖，理解歐美人士對滿溢動植物生命力的華美畫面愛不釋手的原因；通過竹內栖鳳等人的日本畫形象，觀察受到西洋繪畫風尚刺激的日本畫逐漸掙脫江戶時代的模樣，在寫實的基調上注入古典、浪漫的情懷，並在官辦展覽的推波助瀾下百家齊鳴。 到了個人解放、民主主義、女性意識等思潮泛濫的大正時代以降，日本都市文化帶動現代消費社會的規模，各式刊物模糊純藝術與設計、工藝等實用美術的邊界。在調融異國情調的曖昧、飄渺、迷離氣氛裡，鏑木清方、上村松園等透過畫筆下群芳姿態內蘊的情感，剖白個人生命的感知和心聲；又或者像是川瀨巴水、奧村土牛等，在旅行中凝視日常，進而在畫面裡抒發哲思及眼界。 羅珮慈的書寫不僅止於知識的載體，她以彼時落筆的節令或個人經驗做為引子，筆下生命片段的來龍去脈，更能成為「逸遊」的指南，使讀者可以透過文字，踏尋這些已化作星辰的畫家影蹤，漫步於古今生命的浮光掠影交織而成的獨特日本藝文之旅。 本書分成①、②兩冊，四十二個畫家輪番上陣，按照出生先後順序排列，

新竹市在地藝術家鄭瓊娟，師從朱德群、廖繼春、溥心畬、李石樵等美術先輩，開啟了現代藝術之門。為五月畫會的創始成員，亦是戰後國內少數的女性藝術家。婚後隨丈夫定居日本，一度中斷創作。直至六十年代才重拾畫筆，並在日本舉辦首次個展後，重返台灣畫壇，定居台北，2003年更返回她的出生地─新竹市，持續創作出一幅幅經典之作。

「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物梁秀中1934年出生於南京，自幼承習「梁氏三傑」的中西繪畫家學，奠基了寫生的素描功底。1948年梁家因戰火遷臺，顛沛流離的成長環境，讓她培養出對人事物的敏銳觀察與感受力，也淬鍊出強大的抗壓性，對於日後的創作和待人處事態度，帶來深遠的影響。1955年，梁秀中進入臺師大藝術系，師承吳詠香、金勤伯、黃君璧、林玉山等前輩大師而融會貫通。大學期間品學兼優，榮獲黃君璧獎學金，因而在畢業之後，被系上留任為助教。 1973年，梁秀中以《解剖學與人物畫》升等教授。長久以來「教學相長」、適性教學並關懷學生，廣受師生愛戴，更有「梁媽媽」之美譽。她在臺師大美術系擔任過兩任系主任兼所長，並連兩任藝術學院院長。梁秀中把學院當成大家庭，行政風格溫和兼帶韌性，任教四十餘年，爭取到新建美術大樓和碩士班的成立，帶領臺師大美術系進入劃時代的新里程。　梁秀中治藝超過一甲子，畫風展現獨有的靈秀氣質，題材以時裝女性人物畫為大宗，造形優雅嚴謹而融入文學意境；並擅長結合詩詞涵詠，描繪親情、人文關懷等普世價值。梁秀中秉持「以形寫神」的理念，集「引西潤中」和「汲古潤今」的精神，講究「骨法用筆」和「氣韻生動」的筆墨素養，用心捕捉生活光影與旅途所見。退休以後畫風更趨多元，不斷自我超越，反映開朗的生命態度。 長久以來，梁秀中以「藝術教育工作者」自居，半生奉獻給臺師大。她擔任過許多國家考試和藝術大獎的評審，參與國內藝術教育政策諮詢，以及國外的教育推廣，並於2021年榮獲教育部頒發的藝術教育貢獻終身成就獎。梁秀中是臺灣專業美術教育體系培育出的第一代傑出水墨畫家，更是「經師兼人師」，實為戰後臺灣藝術家之新典範。

「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物簡嘉助1938年出生在雲林縣的農村家庭，父母早逝，受兄長和養父的撫養長大，從小養成刻苦耐勞的個性，但很早即顯露出對藝術的天分。 在臺中師範求學的期間，簡嘉助有幸遇到林之助、張錫卿、呂佛庭等師長的指導，奠定他未來藝術生涯的基礎；1962年考進師大藝術系，在馬白水、李澤藩、李石樵、劉文煒等良師的薰陶與指導之下，成為傑出的臺灣水彩畫家。 臺灣亞熱帶氣候陽光明亮熾熱，濃郁的色彩以及從泥土中醞釀的情感，培育出鄉土的美術觀。簡嘉助熱愛純樸的臺灣農村，夾雜著都會景觀的景象，筆下的臺灣風光顏色彩度飽和，明暗反差強烈的調子，形成極為明快的畫面節奏及視覺效果。同時擅長人體畫和人物畫，在良好的素描基礎上，畫面色彩顯得比較厚重，尤其高彩度色域和暗渾的色彩相互對比，形成有韻律的色彩樂章。 簡嘉助的風景畫和人物畫，也受日本畫家的影響，在頗具差異性的臺灣風景之光與熱，和日本風景中的灰白色調，琢磨自己與日本洋畫家之間的藝術見解，建立了他個人的繪畫風格。 1967年回到母校臺中師範擔任助教，至2003年以教授身分屆齡退休，簡嘉助任教的時間長達三十六年，可謂桃李滿天下。1976年時，與畫友組成「具象畫會」，總共辦了十八屆畫展。而他在體育方面的表現也很傑出，尤其擅長羽球，這與他學體育的夫人陳淑婉不無關係，兩人婦唱夫隨，令人稱羨。 笑口常開，熱情幽默的簡嘉助，還喜愛收藏世界各地的民俗藝品，尤其鍾愛蘊含獨特文化的木製面具，這些他珍藏的異國文化藝品，不僅潛藏著每次旅行的回憶，也成為簡嘉助靜物畫的美好題材。

「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物陳正雄1935年出生於臺北的優渥家庭，從小母親培養他對「美」的喜愛。建中畢業之後，進入臺灣省立法商學院就讀，因為熱愛美術，早年即跟隨前輩畫家李石樵、金潤作等研習繪畫，並在全省美展、臺陽美展連續獲獎。同時，也研讀康丁斯基、里德等人的抽象藝術經典著作，奠立了厚實的理論基礎。 1966年起陳正雄展開全職創作生涯。1970年代，畫作中的海和原野等題材，突破了當時山水意象的潮流和鄉土運動强調農村的侷限。從海洋的精神面出發，或許正是他對海島臺灣初步的認識與思考。1980年代是其作品邁入成熟的重要時期，陳正雄蛻變成功的關鍵，來自兩方面：第一、發現了新興創作媒材壓克力，從此成為陳正雄主要的創作材料；第二、長年投入臺灣原住民文物和中國宮廷服飾的蒐研，其豐沛的生命力及色彩美學，深深滋養了他的創作。同時，又以優異的作品和流利的外語，多次赴歐洲、日本等國參展，成為臺灣畫壇推動抽象繪畫的代表性人物。1988年，更獲得美國傅爾布萊特獎金，成為訪問學者中唯一的藝術家。1992年的莫斯科之旅，他首次接觸到東正教的聖像畫，其靈感使他創作了「窗」系列作品，迎來藝術生命的轉捩點。 陳正雄是戰後臺灣少數揚名國際藝壇，與趙無極、朱德群同時受邀參展法國五月沙龍、併稱「華人抒情抽象三家」的傑出藝術家，更是迄今唯一兩度蟬聯佛羅倫斯藝術雙年展的「終生藝術成就獎」。此外，他也是受邀前往中國各美術學院，進行抽象藝術講座次數最多的藝術家。 耕耘了一甲子，陳正雄以繽紛躍動的抽象畫，征服了國際的目光。他的熱情為抽象藝術注入一股屬於東方的、臺灣的養分，既是對大自然的謳歌，也是對文化的讚曲。

「家庭美術館──美術家傳記」系列叢書精選十位各擅油畫、版畫、水墨、素描、書法等領域之臺灣資深美術家細述他們生命旅途中的層層風景，以及銘刻在臺灣藝壇的美術成就全套書以深入淺出的文字、精美細緻的圖版，結合電子書與影音的多元化閱讀模式為讀者打造一套兼具美感、質感，輕鬆認識臺灣美術史的優質讀物陳永森1913年出生於臺南市永樂街，幼時父母雙亡，促使他養成獨立剛強的性格。之後考入臺南私立長老教中學，受到留日返臺美術老師廖繼春的啟發，並跟隨膠彩畫家黃靜山學藝。1933年遠赴日本進修，考入日本美術學校日本畫科，先後師事日本畫名家兒玉希望等人。畢業之後，又考進東京美術學校油畫科就讀。1945年與吳楓錦女士結婚，婚後生活穩定，陳永森展現更加旺盛的創作能量。戰後又於1949年，再度考入東京藝術大學附屬工藝技術講習所。在長達十多年的學習過程中，陳永森以半工半讀的方式，完成多元習藝之旅。陳永森在日本期間，參與官展與在野展的競技比賽，表現優異，在一向排斥外國人的日本畫壇，憑藉個人的藝術成就，累積聲譽與名望，可以說是得來不易。陳永森於1953年、1955年，以作品〈山莊〉、〈鶴苑〉，先後獲得「日展」的白壽賞，兩度受到裕仁天皇親自接見與勉勵，並於1955年榮升為日展「無鑑查」畫家。然而在日本畫壇已達登峰造極的陳永森，並未因此而志得意滿，從1950年代至1970年代初期，持續尋找東、西方繪畫，創新與融合的最大可能性。1970年代中晚期，轉向對東方「詩思情法」理念與精神的探索，藉由「詩情墨法」、「物我兩忘」等觀念的開展，在宗教、戲曲及風景等主題中，表現出內在的精神性，超越外在物質性的晚期風格。陳永森所創造的特殊膠彩畫風，超越日本、臺灣、中國，以及西方的地域界線，不但給予日本的畫界，也刺激臺灣的畫壇，跳脫了地方的局限，尋求跨域性的創作語彙。陳永森一生的畫業成就，承擔起發揚民族文化、臺灣美術的重責，實有不可抹滅的影響力。

19世紀新古典主義著名畫家安格爾 他筆下的人物擁有岩石般清晰的輪廓，卻又如綢緞般柔和； 他使用最樸素的色彩，仍讓畫面擁有最深遠的意蘊。 他的畫如同雄偉的建築，在大地上穩穩地屹立不倒。 身處法國最動盪的時期，歷經法國大革命到二月革命，政體如跑馬燈更迭交替，藝術領域亦同，浪漫主義、現實主義、色彩主義群起並立，安格爾成為其中的清流，與之抗衡只為追求古典主義，復刻文藝復興。 「世界上只有一種藝術，那就是永恆的美與自然。純潔和自然的美不需要別出心裁，只要是美的，就足夠了。自然之美是永恆的，偉大的、美的創作是不朽的，任何與之背道而馳的人注定將以失敗告終。」──安格爾（Jean Auguste Dominique Ingres） ▎路易十三的宣誓（Louis XIII de la prestation de serment） 聖母懷抱聖子，神情安詳地坐在雲端，注視著座下跪拜的路易十三；路易十三面向舉著誓言的兩位小天使，高高舉起皇冠和權杖，將法蘭西王國託付給聖母。 畫面堆砌了大量文藝復興時期的繪畫元素，採用了傳統的學院派畫法，不再使用以前誇張、變形的表達方式，他著意刻劃聖母的形象，在其中融入了自己獨到的表現，這幅畫使安格爾重獲主流認可，被譽為「拉斐爾再世」。 ▎〈荷馬禮贊〉（Apotheosis of Homer） 勝利女神將象徵榮譽的桂冠戴在了詩人荷馬的頭上，身邊簇擁著一群非凡的天才，將荷馬視為藝術的根源，以崇敬的心情藉此作品展現對畫中人物對時代的貢獻。 此畫作為宏大的天頂畫，重現〈雅典學院〉（The School of Athens）的布局 致敬他的偶像拉斐爾，藉荷馬的形象將拉斐爾推至藝術史上更為崇高的地位。 ▎〈大宮女〉（La Grand Odalisque） 全裸的大宮女柔若無骨的斜靠在橫貫畫面的天鵝絨椅墊上，在華麗帷幕的襯托下一切是如此的典雅迷人，呈現強烈的東方情調的土耳其內宮生活，為了強調身軀的優美曲線，畫出了多餘的三節脊椎，不合乎常理卻也不突兀，形成流暢的整體美感。 拉斐爾說：「繪畫需要撇開絕對的準確性，藝術的生動就無從談起。似是而非等同於虛偽！追求準確的表現和完美的風格，不要惋惜為此付出的時間和精力。」 他擅長人體素描，卻不在意肌肉解剖知識。過分強調真實會使藝術形象庸俗化，有損於素描的純潔，誇張的表現則是為了強調「美」。 ▎〈洛哲營救安吉莉卡〉（Angelica s

寫實主義先驅╳最受歡迎的近代畫家 他筆下的人物樸實而動人， 在一片情慾流動的藝術環境中，他退居巴爾比宗， 將農村秋收的景象描繪得詩情畫意，真實呈現農民們生活的苦難。 他是大家最熟悉的藝術大師──法蘭索瓦・米勒！ 「他似乎是屬於另一個時代、另一個民族、有著不同思維的人。他在法國藝術中是獨一無二的，而且幾乎像是一個外國人。他同等地被他的崇拜者和誹謗者所誤解。」──羅曼・羅蘭（Romain Rolland） ▎〈簸穀的人〉（The Winnower） 農夫拿著簸箕用力搖晃的身影，也將米勒顛進沙龍展。 臉部被陰影遮住的簸穀者，象徵著默默耕耘，辛勤勞動，既無名又沒有地位的所有農夫。 1848年在法國爆發的「二月革命」，工人們的奮起抗爭，觸動了米勒的神經，首度以農人為主題並被官方選入在沙龍成功展出的畫作，成為現實主義繪畫史上具有開創性的畫作。 ▎〈拾穗〉（The Gleaners） 猶如莊重的石碑一樣排列在廣闊無邊的原野上的三位農婦，在剛剛收割完的這片暗濁色的麥田裡，點點金黃色在畫中明亮卻少之又少的麥穗，昭示著農婦付出與收穫不成正比，彎下的背上乘載的重量，厚實且心安。 初見米勒在畫中運用寫實主義的的技法，三位處於艱難狀態下的工作的農婦形象，營造出威嚴莊重的氣氛，美感來自於米勒那簡潔而又富有節奏感的輪廓勾勒以及雕塑式的圓實造型。 ▎〈晚禱〉（The Angelus） 沒有看見鐘的影子，卻彷彿聽到遠處教堂傳來的鐘聲與虔誠的禱告聲。 身為虔誠的基督徒，畫作中時常漫布的濃厚宗教意味是屬於米勒的獨有韻味，落日餘暉下，靜謐沉寂的大地和屏息靜默的夫妻融為一體，無限虔誠的神態與靜謐的力量，讓虔誠的心聲充滿了整個空間。 ▎〈牧羊女與羊群〉（Shepherdess with her Flock） 高高的地平線、平坦而遼闊的草原、熙熙攘攘的羊群，一位年輕的牧羊女獨自佇立，身上披著厚重的毛氈，背對著羊群，逆著彩霞的光，獨自編織著手上的毛衣。她微躬的體態與專注的神情，猶如禱告般虔誠。 1864年的沙龍展公開展出，首次獲得佳評如潮的畫作，被權威藝評家高帝耶（Théophile Gautier）稱讚它是「一幅完美的畫」，承襲的一貫具有宗教氛圍感的祥和靜謐，一望無際的曠野與淡淡的愁緒令人喟嘆。 ▎〈春〉（Spring） 繽紛的色彩，嫩綠的森林、新綠的小草、深綠的大樹、金黃的陽光，遠處的彩虹，構成了層次分明、色

「繪畫，是自然的子孫，並與上帝相關。」──林布蘭‧凡‧萊茵十七世紀，荷蘭黃金時代繪畫的主要人物林布蘭，他的畫運用強烈對比的光影，營造出戲劇效果，為傳統肖像畫注入更深刻的情感表現。成名甚早的林布蘭，卻揮霍無度，潦倒半生。然而，命運的試煉，未曾打擊他對繪畫的執著，當時創作主流還是以聖經故事與神話為主，但在他筆下，人物栩栩如生，喜怒哀樂自然流露；而他肖像畫，更是奠定西方繪畫史上人物畫法的重要成就。林布蘭一生大起大落，戲劇化的曲折教人心驚。但他作品所傳達出的內在生命視野，卻敘述著完全不同的故事，見證一名急躁、心靈手巧的早熟年輕人如何蛻變成深思熟慮、有洞察力和思想縝密的男人。相較於林布蘭逼真寫實的畫法，本書插畫尼克‧希金斯則大膽採用較粗糙的筆觸、豐富的色彩來反映林布蘭的不羈，反差效果更彰顯林布蘭的獨特！

明亮的色彩與炙熱的心，荷蘭後印象派大師一生中只賣出一幅畫，生活全依靠弟弟接濟，十年燃燒生命，血淚鑄就不朽名作！「有些人的靈魂懷著火焰，卻沒有人藉此取暖，路人除了看見煙囪中冒出的一點煙之外渾然未覺，兀自前進，我們能做的只有讓火焰繼續在體內燃燒，然後等待……」──出自梵谷寫給弟弟西奧的信身為傳教士，他的宗教熱誠反而招來教會反感；想做個戀人，卻又總是在求愛時碰壁。即使被戀人接納，也受到雙方家長的反對，他滿腔的愛無處可去，卻越來越炙熱，終於化為大火，將自己熊熊燃盡。▎〈吃馬鈴薯的人〉（De Aardappeleters）陰暗、深綠的畫面色調中，油燈是唯一的光源，農夫一家人擠在狹小空間中，以憂愁嚴肅的表情分食著馬鈴薯，微微扭曲的肢體是費力支撐起生活的結果。年輕時，梵谷曾懷著宗教熱誠走入礦區布道，礦工們艱苦、危險的生活觸動了梵谷的心靈，對中下階層的刻畫貫穿了他繪畫生涯中的大部分時光。也許因幾乎是自學成才，梵谷早期對人體結構的掌握並不夠精準，也可能，因為梵谷此時總是畫礦工、農夫、妓女，而這些人因為貧困與過度勞動的緣故，早已使得肌肉骨骼的生長變形。▎〈唐吉老爹像〉（Portrait of Père Tanguy）老人從容和藹端坐畫面中央，身後數幅繪畫滿溢日本浮世繪風情，輕柔、粉嫩，豔麗的用色與從前的梵谷大不相同，他來到巴黎，發現人在創作的路上也需要同伴的友誼與刺激。〈唐吉老爹像〉創作於梵谷受弟弟西奧邀請前往巴黎以後，唐吉老爹是當地深受藝術家喜愛的畫具店老闆。梵谷在巴黎結識了許多藝術家朋友，置身在當時正興起的印象派與新印象派潮流中，也因為愛上浮世繪的大膽設色，梵谷用色逐漸明豔，這樣的特徵便展現在他為唐吉老爹畫的肖像之中。▎〈向日葵〉（Sunflowers）梵谷畫了一系列的向日葵，當中並非沒有飽滿盛開的輕盈花朵，但我們印象最深的卻總是另外幾張中焦黃、猙獰的垂死姿態，委靡、花瓣零落，卻充滿生命力地怒張著，對抗過度明亮的世界。南法的陽光多麼刺眼。約從搬到亞爾左右開始，梵谷陷入對黃色的狂熱愛好之中，此後經常可以在他的作品中看見大片黃色，以及完美襯托黃色的深藍色。在巴黎時，好友高更向梵谷要了兩幅〈向日葵〉，他在亞爾再次描繪這個主題，也抱著能以此打動高更的念頭。▎〈綁繃帶的自畫像〉（Self-Portrait with Bandaged Ear）邀請高更造訪亞爾並未迎來好結果，這對朋友並不適合「

堅守傳統╳融合現代 揚名世界的國畫大師 他，是天才型的繪畫大師，被譽為當代第一大畫家； 他，是中國書畫的第一把交椅，一生為國畫鞠躬盡瘁； 他，是將中國書畫引向世界的推手，踏出國門名震國際。 本書為您獻上張大千書畫般的藝術人生！ ▎四處遊學開拓眼界，傳奇經歷難再仿 ──超強的感知、感悟能力與記憶，每下一筆皆如有神 出身書香世家的張大千曾拜書法大家曾熙、李瑞清為師，母親與兄長的耳濡目染為他奠定喜愛繪畫的基礎。他遊學日本探究日本畫源泉吸收長處，他曾遭遇土匪封為百日師爺，也曾為情所困突發奇想出家為僧，見多識廣讓他的心靈昇華，成為雲間的留白、松枝的遒勁。 ▎另闢蹊徑行銷自我，出售仿畫打響知名度 ──我是假的，我肯定是假得最好的！ 張大千臨摹石濤維妙維肖，宛若石濤再世。他經常仿製石濤山水畫出售，甚至騙過專業收藏家；他豪不避諱在眾人面前拆穿大家認為的「真跡」是他的仿畫，卻因此廣結名流展現其高超的交際手腕。 ▎亂世遠赴敦煌臨摹壁畫，中國繪畫的「文藝復興」 ──感受巧奪天工之美，只能踩著黃沙惡土與高築的債臺上去 他醉心於石窟的壁畫中，沉浸在橫舉琵琶的滿壁飛仙與堆積千年的藝術歷程，以俗世之筆為莫高窟進行嚴謹的編號，為敦煌石窟壁畫的保存做出卓越的貢獻，修復壁畫、缺漏考訂、歷代畫派源流……拿著燈微弱火反覆觀摩許久才能畫上一筆，緩慢累積的每一筆畫，都為「敦煌學」奠定了扎實的基礎。 ▎鑑賞的神手、字畫的法官 ──洞察真偽悉知鑑技巧「見、識、知」 愛畫成痴的他練就了一身鑑別真偽的能力，從紙張出產年分、墨水產地、毛筆掌故，不僅在自己使用時講究，還是要鑑別真偽，每一根毛邊皆逃不出他的法眼。 ▎建立國際地位，會見畢卡索 ──棲身海外各國舉辦畫展，收服世界人心 迫不得已旅居海外的張大千仍持著中國文人的生活，世人驚嘆他深厚的藝術和超人的天才慧敏，海外畫展不斷，聲譽名揚世界，他仍在探尋藝術的無窮境界，使傳統國畫與東方藝術躋身國際。 巴黎羅浮宮與畢卡索意外相會…… 東方宗師與西方泰斗之間看似不同卻有許多像似之處， 舊技新法融會貫通，無論地界，各領風騷！ ★本書特色：張大千結合中國傳統技法與西方現代的繪畫技巧，被稱之為「當今世界最負盛譽的國畫大師」，同時也是匯集詩書畫三者並蓄的佼佼者，即便揚名國際，仍不斷提升自我，突破晚年眼疾的限制，開創獨有的「潑墨技法」，為中國藝術史再畫下一筆濃墨，具有傳奇性充滿故事色彩的一

拋下世俗，追尋原始生活 流浪的異鄉人╳極具爭議的天才畫家 〈我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？〉 「我再也畫不出更好的，有同樣價值的畫了。」 若用一句話形容高更的藝術，那會是──「尋找心中的夢」。 身為與梵谷、塞尚並稱為後印象派三大巨匠，他追求的是帶著色彩和畫筆，遠離喧囂的人群，在藝術的天地中奮鬥，這幅畫是高更畢生創作的集大成者。 高更的藝術創作生涯充滿了冒險與傳奇。 藝術的獨特性展現在表現形式上，這種表現便是藝術家思想的呈現。 ▎〈布道後的幻象〉（Vision après le sermon） 藝術是一種抽象，人們是在面對自然而浮想聯翩時，從自然提取這種抽象的。 一群布列塔尼農婦在聽完布道之後，眼前出現了《聖經》中「雅各與天使摔跤」的幻象。西元一八八二年二月，高更踏上了阿旺橋的土地，高更及其追隨者們在阿旺橋的理念討論和繪畫實踐漸漸促成了 「綜合畫派」，他對主觀直覺和內心投射的強調，背景和對象中大量使用虛幻和神祕的元素，讓他披上了鮮明的 「象徵主義」特徵。 ▎〈畫向日葵的梵谷〉（Le Peintre de Tournesols） 兩顆巨星相撞──他是隨時可以爆發的火山，而我的內心也是翻騰的沸水。 高更在阿旺橋與他的追隨者們探討繪畫時，認識了梵谷，他們兩人都不追求空間的縱深感，在用色上也有某種程度上的相似之處，但當在藝術見解上出現糾紛，他們兩人便如同針尖對上了麥芒，互不妥協，在兩人的衝突中，甚至發生了「割耳事件」，自此兩人互無往來。 ▎〈死亡的幽靈在注視〉（Manao tupapau） 女孩俯臥在床上，勻稱健美的軀體長長地伸展著；她的臉向外側著，半露出一部分，表情驚恐，床腳邊，側坐著一個奇怪的人，形狀恐怖。 眼前的少女是如此純潔，如此天真，她眼神中的惶恐驚嚇卻又是多麼豐富！她彷彿看見了死者的靈魂，又好像是被靈魂所注視。這幅畫彷彿瞬間而永恆的電影鏡頭，兼具了劇本和音效：起伏的視平線和諧流淌，跳動的黃色和紫色以及微綠的閃光如同樂章中輕鬆的頓音。故事包含了黑夜與白晝，講述著活人靈魂與死人靈魂的銜接。 ▎〈你何時結婚〉（Quand te maries-tu） 高更彷彿一條涸澤之魚，在乾渴許久後被重新放歸大海，在大溪地的原始風情中盡情呼吸暢遊，屬於大溪地的他熱愛這裡原始淳樸的氣息。 西元一八九一年，經過近兩個月的航行，高更終於到達了天堂大溪地，旖旎的熱帶風光和純樸的生活讓高

印象派創始人之一╳最具代表性的大師 「印象」一詞即源自其名作〈印象・日出〉 他掌握了所有關於「印象」的元素， 讓沒有印象派概念的人也能從中看出他所想表達的， 有人把畫面寫成了詩歌，而莫內，把詩歌繪成了畫── ▎〈綠衣女人〉（Camille） ──整幅畫充分表現了莫內大膽的構圖和創新的姿態， 無論是色彩對比的明亮還是構圖上的意外都使這幅畫多了幾分隨意。 卡蜜兒曼妙的身姿彷彿剛從畫外走進來，回眸一顰，盡顯典雅的貴婦氣質。雖然整幅畫的比例略顯不協調，卡蜜兒的臉顯得有點小，但是莫內刻意突出臉部的色彩，讓整幅畫的焦點依舊落在了這張臉上。不僅如此，厚重且有質感的衣服、微抬起來的手和半轉過來的頭，都讓卡蜜兒顯得心事重重。這種神態上的成功刻畫讓整幅畫都栩栩如生地顯示出了卡蜜兒的動人形象。 ◎對於〈綠衣女人〉，自然主義文學代表人物左拉給予了高度讚賞， 此時的莫內已是結合了理想主義和現實主義的年輕一代的領頭者了。 ▎〈花園中的女人〉（Women in the Garden） ──透過新的色彩、新的用筆、新的構圖， 莫內衝破了其他畫家對他的影響，開創了自己的風格與流派。 莫內在作畫一開始時採用大號的筆以迅速的筆觸來作畫，把顏色塗得異常厚，從而企圖製造光線的漸變。而且在畫面的突出部分用以輕快的平色塊，並在周圍輔以厚重的暗色塊來襯托。同時，厚重的色塊把整幅畫分成了受光和背光兩部分，讓畫面之外彷彿是有光線照射一樣。這幅畫稱得上是莫內第一幅成功的戶外對光作品。由於沒有了外人的干擾，完全是自己的風格與探尋，這讓莫內對光線的研究興趣更多了幾分。 ◎他不再是那個臨摹別人畫風的年輕人了， 現在的莫內是乘風飛上了藝術之巔的大師。 ▎〈印象・日出〉（Impression, Sunrise） ──整幅畫沒有任何輪廓的概念，全是由細小筆觸點出來的， 除了莫內，從未有人能夠如此表現霧氣交融的景象。 紅日冉冉升起，橙紅色照樣映紅了上半部的天空。海水映射著陽光，呈現出橙黃色，在近處和依舊昏暗的海邊組成淡紫色。色彩在天空交替、滲透、相互糾纏；厚薄不一的色塊將水的波浪表現得淋漓盡致，遠看甚是有波光粼粼的質感。水波上面蕩漾的是三個小點一樣的船，此時的船在晨曦和霧色中已然分辨不出輪廓，只能憑經驗猜出那是遠方行駛的小船。船下的波光微動，彷彿是在航行一樣。兩岸若隱若現的建築物和山的虛影更是為畫面增添了活力。 ◎不重視輪廓而看重光

風靡日本至今百餘年，超越時空、歷久彌新即便你沒聽過這個名字，也一定看過他的設計！從令人印象深刻的大眼美人、到封面、插畫，圖案、廣告刊物與生活雜貨設計台灣竹久夢二研究的第一人，以深入淺出的文字穿插百件作品，集結台日之力，呈現這位永垂不朽的藝術奇才最完整的創作風貌！ 「所謂的藝術家已經很多了。我認為世間需要的是能以人的身分，理解人的悲傷的畫家。」——竹久夢二浪漫復古、唯美摩登，令人目不暇給的設計靈感成就「夢二式」美學的創作人生與藝術精神竹久夢二（Takehisa Yumeji，1884—1934）出生於日本岡山縣，本名竹久茂次郎。20世紀初期的畫家、詩人兼平面設計家，以「夢二式美人」風靡一時，有「大正浪漫代言人」之稱，也是啟發日本少女漫畫的先驅者。此外亦涉足插畫、裝幀、圖案設計、詩文等領域，在各方面都展現令人驚豔的才華。他的一生橫跨明治、大正、昭和三代，此時日本廣納西洋文化，並紛紛體現在建築、時尚、飲食習慣之上，形成和洋文化薈萃的「大正浪漫」風潮。受到此般風氣的薰陶，夢二以獨樹一格的畫風與感性風靡一時，在短短三十年的創作生涯中留下許多歷久彌新的作品，不僅深深影響日本近代藝術設計的發展，也為人們生活帶來美的滋潤，至今依然伴隨在你我的身邊，永垂不朽。相較於其它明治、大正時期的知名畫家如今基本上都不再受到關注，一個不屬於任何流派的野生畫家卻依然欣欣向榮，毫無褪色的跡象，實屬罕見。在日本相關人士與台灣藏家的大力協助之下，本書將透過夢二戲劇性的一生與才華滿溢的多元作品，帶領讀者認識這位傳奇藝術先驅，以及他得以超越時空與國界，令人愛不釋手的迷人魅力。本書特色★台灣本土第一本竹久夢二專書★日本金澤湯涌夢二館館長、夢二研究會代表人、夢二孫女專序推薦★收錄近200張繪畫、書籍、雜誌、樂譜、插圖設計等珍貴藏品及照片★以夢二的插畫自傳小說《出帆》為主軸呈現的圖文式年表★日本各地尋訪夢二景點導覽地圖書籍裝幀特色★書衣選用大亞香草紙，紙質的模造手感與溫潤內斂的色彩，重現浪漫復古風格★內文採用日標B7內頁專用紙，顯色極佳、輕薄但不透印，為日本書籍內頁的愛用紙款各界一致浪漫推薦 （依姓名筆劃排序）Ayano Ku　收藏家朱秋而　台大日文系教授李志銘　作家吳卡密　舊香居店主林水福　日本文學研究家／作家徐興慶　中國文化大學校長梁旅珠　旅遊作家陳耀昌　台灣史小說家／台大醫師／教授傅月庵　資深編輯

女性肖像畫大師╳印象派發展史上領導者之一 ║陽光、生命、活力，雷諾瓦筆下三大元素║ 若說印象派為西方美術史注入了鮮活的力量， 雷諾瓦則替印象派增添了甜美的氣息── ►「痛苦會過去，但美會留下」 對於雷諾瓦來說，生活中醜陋的東西已經太多，正因如此，他認為一幅畫應該是可愛、快樂、美麗的。他以溫柔而明亮的筆觸，在畫布上綻放出尋常事物的美好。就連晚年深受風溼病折磨，必須將畫筆綁在手上時，他的畫作仍溫暖明快。 ►「如果沒有畫出讓人想要伸手去捏一把的感覺，那就不算完成。」 雷諾瓦的女性肖像畫，滿溢著清新、健康的女性之美。他善於描繪人物眉眼間或天真未泯，或風韻動人的形象，並喜歡把肌膚畫得如珠光般柔亮、白裡透紅，栩栩如生。 ▎〈煎餅磨坊的舞會〉 這幅畫畫的是巴黎一個熱鬧而歡快的露天咖啡館。詩人、音樂家、畫家、作家、記者以及紳士淑女，他們有的飲酒暢談，有的翩翩起舞。每個人物的形態與色彩都充滿「生之歡樂」的節奏。整個畫面充滿著歡快和青春的笑語喜悅，幸福瀰漫在光、色的交輝中。 ▎〈楓丹白露景色〉 創作於1875年，構圖十分簡單，銀白色的蒼茫天空與灰綠色的空曠草地，使畫面顯得十分空靈，和諧的色調，微妙的用光，柔和的構圖，充滿了愛之讚歌的主題，更使畫面充滿了溫馨與安謐的田園情調。 ▎〈彈鋼琴的少女〉 創作於1892年，畫中兩位女孩認真閱讀擺放在鋼琴上的琴譜，一個坐著抬頭仰視；一個站在旁邊一手撐在椅子上，一隻手臂放在鋼琴上。構圖精美，色彩極為柔和優美，線條順暢，整個畫面充滿一種甜美純真的氛圍。 ▎〈包廂〉 畫中之人是雷諾瓦的弟弟及演員妮妮，雷諾瓦主要突出了妮妮的形象。他選取了三個他不經常使用的顏色組合：玫瑰、黑、白，並以細小的筆觸勾勒出那天晚上妮妮穿著的黑條紋長裙，使得衣服的黑與膚色的白形成黑白相間的效果，產生了一種豐富、渾厚的層次畫面頓時增加了強烈的視覺美感。 ★本書特色：雷諾瓦是藝術史上很特別的一位畫家，他的畫始終帶著溫暖，讓觀賞者能發自內心感到愉快。本書從雷諾瓦的出生開始，以流暢的筆調帶領讀者一探他的友情、愛情及生命歷程，從而更加認識這位帶來幸福的畫家。

現代繪畫之父╳「後印象派三傑」中評價最高者 〈玩紙牌的人〉曾創下藝術品出售史上最高紀錄 他是繪畫革命者──保羅・塞尚 線是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之間的對比。 物象的體積是從色調準確的相互關係中表現出來。 ◎20世紀最偉大的藝術家畢卡索曾說：「塞尚是我唯一的老師。」 【後印象主義時代最傑出的作品】 ▎「人類靜物」──〈玩紙牌的人〉（The Card Players） 透過對形狀的細心分析和對各種形式要素的微妙平衡， 使得平凡的題材獲得崇高和莊嚴之美。 〈玩紙牌的人〉系列作品被認為啟發了繪畫的立體主義，畫作簡約而富有幾何性。塞尚一向重視繪畫的形式美，畫上的人物和桌子皆由一片片色彩組成，色調千變萬化。塞尚主張畫出對象的清晰感，反對印象派中忽視素描的做法。為了畫面的形式結構，他不惜犧牲真實性，經常對客觀造型有意歪曲。比如塞尚已不太在意人體解剖上的精確性，不顧比例的延長了模特兒的手臂。 【用一顆蘋果征服巴黎】 ▎「脫節的透視效果」──〈蘋果籃〉（The Basket of Apples） 對於塞尚來說，靜物的魅力顯然在於它所涉及的主題， 就像風景或被畫者一樣，是可以刻畫和能夠掌握的。 塞尚仔細地安排了傾斜的蘋果籃子和酒瓶，把另外一些蘋果隨意地散落在桌布形成的山峰之間，將盛有糕點的盤子放在桌子後部，垂直看也是桌子的一個頂點。在做完這些之後，他只是看個不停，一直看到所有這些要素相互之間開始形成某種關係為止，這些關係就是最後的繪畫基礎。直到今日，當我們看這幅畫的時候，仍然難以用語言來表達這一切微妙的東西。 我們看到的塞尚的作品中，最常出現的靜物就是蘋果，這與他的摯友左拉有不小關係。童年時的左拉曾用一籃蘋果感謝塞尚對他的保護，兩人的友誼自此開始。之後，塞尚就常以蘋果為繪畫主題，一畫再畫，他期望用這個最簡單的題材，實踐自己的風格創新，他甚至想用一顆蘋果征服巴黎。 ◎塞尚與左拉 ──過去他曾是疲憊時的支柱，現在他是「塞尚」構成的一部分 塞尚一生中少不了一個人的身影，那就是同樣在歷史上留下濃厚一筆的法國現實主義作家埃米爾・左拉。 左拉無法理解老友的繪畫，他看不到塞尚作品的真諦，卻是最早感受到塞尚創造力的人，他在塞尚憂鬱時熱情的鼓勵他，甚至近乎苛責的提醒他。他們從年少時相約一起追逐夢想，到中年漸行漸遠，最終形同陌路。 1886年，左拉按照慣例把自己的新小說《傑作》寄給塞尚。這部小

表現主義繪畫的先驅╳版畫複製大師 他筆下的人物猶如舞臺劇中的角色， 他是現代藝術大師──愛德華・孟克 「病魔、瘋狂與死亡是圍繞我搖籃的天使，並持續伴隨我一生。」 當提起「愛德華・孟克」這個名字的時候，人們或許會有短暫的猶疑； 如果加一句「〈吶喊〉的作者」，那麼大部分人會露出恍然大悟的神情； 如果將〈吶喊〉擺在人們眼前，那麼所有人都會說：「哦，是這幅畫！」 是的，這是任何一部合格的美術史一定會提到的作品。 不過，在欣賞這幅畫之前，我們或許該知道 ──它不是突然之間產生的靈感，而是個人經歷所累積的結果⋯⋯ ▎〈死去的母親〉（The Dead Mother） 母親那骷髏一樣的頭深陷在枕頭裡，站在母親靈床前的孩子，睜著雙眼，孤獨地看著周圍的世界，那彷彿是他自己的寫照。 1868年聖誕節過後，5歲的孟克失去了母親。他正處在似懂非懂的年紀，親眼看著母親一天天衰弱，最終躺在床上不再應聲，看著親友往返忙碌於喪事，幾乎忽略了他們幾個孩子，他感到惶恐、無助。孟克在畫中無數次地反映過死亡的主題，這與童年留下的印象是分不開的。 ▎〈病童〉（The sick child） 紅髮少女坐在床上，絕望地望向身邊的母親。少女的母親握著少女的手，悲哀地低下頭去。他希望透過人物的動勢表達無法抑制的悲苦和絕望。 〈病童〉創作於1885年至1886年之間，第一次展出是在1886年的秋季畫展。這幅畫對孟克意義重大。在藝術上，它衝破了自然主義的範圍，帶著印象派的影響，開啟了他今後表現主義的創作；在生活上，它代表著孟克對母親、姐姐以及他的童年最深切、最完整的回憶。 ▎〈分離〉（Separation） 他表情痛苦，一隻手捂著胸口──心被奪走了，愛情卻無法挽回。女人的頭髮一直延伸到男人頭頂上方，象徵著雙方關係的糾結。 經歷了初次的愛情悲劇，孟克藝術人生的一條重要主題開始成型，那就是理解和表達男人、女人的存在，展示他們的愛、他們的痛苦、他們的絕望，他們被造物主詛咒，幾千年來結成的無盡的枷鎖。 ▎〈吸血鬼〉（Vampire） 男人埋頭靠在女人懷裡，似乎在尋求愛情的安慰。女人俯身吻著男人的脖頸，長長的紅髮垂下，覆蓋著男人的頭部和身體。這一幕，看似情侶在接吻，但又像是吸血鬼在吸食人血。 在孟克表現男女關係的作品中，絕少涉及愛情的甜蜜、浪漫，而往往是痛苦糾纏，無盡無休。而且，孟克筆下的男女關係中，往往女人是強大的一方，男人是弱