三民網路書店 中文圖書分類法 / 美術類 / 藝術史

臺灣美術史的書寫，雖與近代臺灣史論述緊緊相扣。然而，它卻不只是歷史中的一個樣貌，更應視其為在不同時空中，藝術家探尋美術主體性的流變軌跡。本書以「游動之間的主體性」來思考臺灣美術史發展，一方面對於以往從「邊緣與中央」、「殖民與帝國」、「自我與他者」等論述的反省；另一方面也是對現今所處世界的回應。因為，今天已是「平行」交流、可以自由在「真實」與「虛構」間移動的世界。科技的體驗，也使人類輕易披覆他人的文化生活。因此，如何在時間、空間與文化間的「游動」中，呈現出對於自我主體的思索，實為今日美術史研究的重要課題。本書共十二章，包括「美術」概念的變遷、史前的藝術（人的裝飾）、史前考古與原始美術、十七世紀往來於臺灣的物質文化、圖文之間（十八世紀的番社采風圖）、清季以來的書畫趣味、日治時期（1895至1945）的美術（跨界的藝術‧複調的啟蒙）、冷戰時期（19520至1970）的畫壇（政治視野的轉換與文化正統的確立）、從「正統」到「多元」（1950年代以後的發展）、「美術」的普及與商業化、現實與虛擬之間（1980年代以後的發展）。從臺灣藝術的起源、歷史；多元族群藝術展現、各殖民時期下的藝術品，以及藝術普及、商業化，詳盡描寫。

臺灣是天然物產相當豐饒的土地，有稻米、茶葉、砂糖等，實在是無盡的寶藏。一旦踏入山地，到處都是千古未曾開發的處女林。真是發揮著山紫水明，與天然之美。 我覺得在富有如此自然美的臺灣，沒有誕生固有的藝術，實在是不可思議的事。親近並成長於這自然美的人們，腦海中不會沒有愛美的心理。──黃土水（〈甘露水〉、〈少女胸像〉創作者）不只要療癒，我們更需要國民美育！「不朽的青春」展覽研究團隊再出擊，用120件作品，講臺灣200年的藝術與藝術家故事。「你有喜歡的臺灣藝術家嗎？」 面對這個問題，我們往往不知如何回答。這背後當然有許多從教育到歷史上的原因，但其中最關鍵的可能是──我們根本不知道臺灣美術史上有過哪些精采作品和人物。鑒於一般大眾長期對於臺灣美術史非常陌生，「不朽的青春──臺灣美術再發現」展覽研究團隊決定再出擊，集結兩年多來的研究成果，化身為親切熱忱的美術館導覽員，向來訪觀眾（讀者）述說一個又一個屬於臺灣自己的「藝術的故事」。《臺灣美術兩百年》猶如一場紙上特展，讀者只需翻開書頁便能飽覽從清代到當代，因臺灣而發生的豐富藝術傑作。然而光是「看見」作品並不足夠，讀者還必須對於作品產生的脈絡有所認識，才能真正「看懂」作品。因此，本書不同於常見的藝術史著重在解析藝術表現形式，更重視描繪藝術家的個人生命歷程與身處時代背景，供讀者參照，以加深對作品的理解。 《臺灣美術兩百年》也是一個主題性的策展，它不單純依據年代呈現臺灣美術史，而是美術史學者帶著歷史意識與問題意識重新觀看臺灣藝術史上的許多經典作品，使之向外延伸，觸及了傳統與現代、政治與社會、本土與西化、性別、家國想像等多元課題。透過上述面向，相信讀者閱畢本書後，當再有人問起：「你有喜歡的臺灣藝術家嗎？」你不只可以輕易給出好幾個答案，還能興高采烈與之分享你喜歡他們的種種理由！全書上下兩冊分成十二章，選件共一百二十件（另有補充附圖數十餘），獨立介紹了一百零八位藝術家。各章開頭均有長文導讀，引導讀者進入該章主題。上冊「摩登時代」六章主題依序為：傳統的新生、現代美術與展覽會、描繪地方色彩、都會摩登、戰爭與戒嚴、新時代男與女；下冊「島嶼呼喚」六章則是：山與海的呼喚、冷戰下的藝術弈局、鄉土的回歸、風景與社會、主體性的開展、創造新家園。■上冊「摩登時代」以日治時期最早的現代藝術家為核心，往前追溯清代書畫傳統，往後從殖民現代性，銜接到二戰結束後政權的再次

臺灣是天然物產相當豐饒的土地，有稻米、茶葉、砂糖等，實在是無盡的寶藏。一旦踏入山地，到處都是千古未曾開發的處女林。真是發揮著山紫水明，與天然之美。 我覺得在富有如此自然美的臺灣，沒有誕生固有的藝術，實在是不可思議的事。親近並成長於這自然美的人們，腦海中不會沒有愛美的心理。──黃土水（〈甘露水〉、〈少女胸像〉創作者）不只要療癒，我們更需要國民美育！「不朽的青春」展覽研究團隊再出擊，用120件作品，講臺灣200年的藝術與藝術家故事。「你有喜歡的臺灣藝術家嗎？」 面對這個問題，我們往往不知如何回答。這背後當然有許多從教育到歷史上的原因，但其中最關鍵的可能是──我們根本不知道臺灣美術史上有過哪些精采作品和人物。鑒於一般大眾長期對於臺灣美術史非常陌生，「不朽的青春──臺灣美術再發現」展覽研究團隊決定再出擊，集結兩年多來的研究成果，化身為親切熱忱的美術館導覽員，向來訪觀眾（讀者）述說一個又一個屬於臺灣自己的「藝術的故事」。《臺灣美術兩百年》猶如一場紙上特展，讀者只需翻開書頁便能飽覽從清代到當代，因臺灣而發生的豐富藝術傑作。然而光是「看見」作品並不足夠，讀者還必須對於作品產生的脈絡有所認識，才能真正「看懂」作品。因此，本書不同於常見的藝術史著重在解析藝術表現形式，更重視描繪藝術家的個人生命歷程與身處時代背景，供讀者參照，以加深對作品的理解。 《臺灣美術兩百年》也是一個主題性的策展，它不單純依據年代呈現臺灣美術史，而是美術史學者帶著歷史意識與問題意識重新觀看臺灣藝術史上的許多經典作品，使之向外延伸，觸及了傳統與現代、政治與社會、本土與西化、性別、家國想像等多元課題。透過上述面向，相信讀者閱畢本書後，當再有人問起：「你有喜歡的臺灣藝術家嗎？」你不只可以輕易給出好幾個答案，還能興高采烈與之分享你喜歡他們的種種理由！全書上下兩冊分成十二章，選件共一百二十件（另有補充附圖數十餘），獨立介紹了一百零八位藝術家。各章開頭均有長文導讀，引導讀者進入該章主題。上冊「摩登時代」六章主題依序為：傳統的新生、現代美術與展覽會、描繪地方色彩、都會摩登、戰爭與戒嚴、新時代男與女；下冊「島嶼呼喚」六章則是：山與海的呼喚、冷戰下的藝術弈局、鄉土的回歸、風景與社會、主體性的開展、創造新家園。■下冊「島嶼呼喚」以藝術家對山海國土的探索開啟視野，回顧日治時期並鳥瞰戰後至當代，從觀音山到太魯閣、中央山脈與玉山、屏

臺灣是天然物產相當豐饒的土地，有稻米、茶葉、砂糖等，實在是無盡的寶藏。一旦踏入山地，到處都是千古未曾開發的處女林。真是發揮著山紫水明，與天然之美。 我覺得在富有如此自然美的臺灣，沒有誕生固有的藝術，實在是不可思議的事。親近並成長於這自然美的人們，腦海中不會沒有愛美的心理。──黃土水（〈甘露水〉、〈少女胸像〉創作者）不只要療癒，我們更需要國民美育！「不朽的青春」展覽研究團隊再出擊，用120件作品，講臺灣200年的藝術與藝術家故事。「你有喜歡的臺灣藝術家嗎？」 面對這個問題，我們往往不知如何回答。這背後當然有許多從教育到歷史上的原因，但其中最關鍵的可能是──我們根本不知道臺灣美術史上有過哪些精采作品和人物。鑒於一般大眾長期對於臺灣美術史非常陌生，「不朽的青春──臺灣美術再發現」展覽研究團隊決定再出擊，集結兩年多來的研究成果，化身為親切熱忱的美術館導覽員，向來訪觀眾（讀者）述說一個又一個屬於臺灣自己的「藝術的故事」。《臺灣美術兩百年》猶如一場紙上特展，讀者只需翻開書頁便能飽覽從清代到當代，因臺灣而發生的豐富藝術傑作。然而光是「看見」作品並不足夠，讀者還必須對於作品產生的脈絡有所認識，才能真正「看懂」作品。因此，本書不同於常見的藝術史著重在解析藝術表現形式，更重視描繪藝術家的個人生命歷程與身處時代背景，供讀者參照，以加深對作品的理解。 《臺灣美術兩百年》也是一個主題性的策展，它不單純依據年代呈現臺灣美術史，而是美術史學者帶著歷史意識與問題意識重新觀看臺灣藝術史上的許多經典作品，使之向外延伸，觸及了傳統與現代、政治與社會、本土與西化、性別、家國想像等多元課題。透過上述面向，相信讀者閱畢本書後，當再有人問起：「你有喜歡的臺灣藝術家嗎？」你不只可以輕易給出好幾個答案，還能興高采烈與之分享你喜歡他們的種種理由！全書上下兩冊分成十二章，選件共一百二十件（另有補充附圖數十餘），獨立介紹了一百零八位藝術家。各章開頭均有長文導讀，引導讀者進入該章主題。上冊「摩登時代」六章主題依序為：傳統的新生、現代美術與展覽會、描繪地方色彩、都會摩登、戰爭與戒嚴、新時代男與女；下冊「島嶼呼喚」六章則是：山與海的呼喚、冷戰下的藝術弈局、鄉土的回歸、風景與社會、主體性的開展、創造新家園。■上冊「摩登時代」以日治時期最早的現代藝術家為核心，往前追溯清代書畫傳統，往後從殖民現代性，銜接到二戰結束後政權的再次

《SPQR》作者、世界著名古典學權威教授瑪莉．畢爾德新作！ BBC藝術歷史系列紀錄片《遇見文明》集結成書。 若想了解文明，就必須知道從古至今人們怎麼觀看自己，如何塑造神祉。 「文明」這個概念在歷史上始終備受爭論，甚至為此引發戰爭。在這些爭議的核心存在著一個大問題，那就是人們──從史前到今天──怎樣描繪自己與他者（包括人與神）。著名歷史學家瑪莉．畢爾德在此探索創作者怎樣塑造藝術，而藝術又是怎樣塑造創作者。我們怎樣觀看這些圖像？為什麼它們有時如此充滿爭議？ 第一章〈我們如何觀看〉 歷史上某些最早的藝術作品如何呈現人體？而過去某種呈現人體的特殊方式，又是如何在今天依舊影響西方人看待自己文化與其他文化的態度？除了製作圖像的藝術家，那些使用這些圖像、觀看並詮釋這些圖像的人們，他們是如何觀看？ 古老奧梅克的石人頭、古希臘的人體雕像、埃及木乃伊棺木畫像、秦始皇的兵馬俑大軍、巨型法老王坐像、禁忌的裸體阿芙洛蒂雕像、《美景宮的阿波羅》、《垂死的高盧人》銅像…… 第二章〈信仰之眼〉 宗教一直是藝術創作的題材來源，但要讓天國在人間現形絕非易事。所有的宗教都必須處理偶像崇拜和破除偶像的問題，既製作藝術又摧毀藝術，透過〈信仰之眼〉，我們該如何理解這一切？ 阿旃陀洞窟壁畫、聖維塔教堂馬賽克、亭托雷多的《耶穌被釘十字架》、塞維亞的流淚聖母像、藍色清真寺中的書法、「破除偶像」後的伊利主教座堂、帕德嫩神廟…… 本書特色 BBC同名紀錄片《遇見文明》是2018年由BBC製作的藝術歷史系列電視紀錄片，由瑪麗．畢爾德、西蒙．夏瑪、大衛．歐盧索加共同主持，涵蓋六個大陸，三十一個國家，超過五百件藝術品。 專家力薦 尤芷薇　前華文媒體駐印度記者 吳宜蓉　Special教師獎得主╱作家 邱建一　藝術史學者 林秋芳 輔仁大學博物館學研究所教授兼校史室主任 林瑞昌　吉光旅遊總經理 媒體好評 「讀者會很高興由這位聰明、睿智的畢爾德帶領……她的每一本作品都精采有趣而發人深省。」――《舊金山紀事報》 「一本內容紮實的小書……畢爾德將焦點從西方歐洲往外推展，詳實地調查探討從埃及到中國、猶太教到基督教、古代到現代的藝術，強調觀者的角色勝過創作者的動機……推薦給所有想用全新觀點探討宗教、藝術與歷史的讀者。」――《Booklist》書評 「這位聲名卓著的作者瑪莉．畢爾德再次出手，這一次是關於藝術，以及人們的反應，跨越千百年的時間

BBC藝術歷史系列紀錄片《遇見文明》集結成書。 用全新視角觀賞藝術作品，探討地理大發現以來，殖民者與被殖民者的文化交流與衝突。 過去人們曾普遍相信文明是單一的，是從唯一一個來源傳播到世界某些地方的現象，這個信念如今也一樣問題百出。為了替歐洲發展海外帝國時進行的殖民冒險背書，各國都聲稱自己投身於一場偉大的「文明教化」事業，以此合理化自己對其他民族的統治。或許「文明」這個概念裡面唯一可肯定的，就是「文明」的對立面「野蠻」是有害的。 藝術傑作──無論是掠奪所得或是創作成果──都是我們理解歷史的關鍵。 第一章〈最早的接觸〉，帶我們探索大航海時代，當文明初次相遇，當時的藝術會受到什麼影響。毫無疑問這是一段征服與摧毀的時代，也是一段彼此好奇、全球貿易與思想交流的時代。 西非的「貝南青銅」、日本畫家狩野內膳的「南蠻屏風」、維梅爾的《窗邊讀信少女》、佐法尼的《鬥雞賽》、阿茲特克畫家的《佛羅倫丁手抄本》…… 第二章〈進步觀信仰〉，讓我們看到工業革命改變了世界，它影響了全球每一片土地、每一個文明。從英國密德蘭地區的棉織廠開始，我們看到拿破崙征服埃及，也看到美洲原住民與紐西蘭毛利人的悲慘境遇。 德拉克洛瓦的《阿爾及利亞女人》、透納的「黑鄉」伍斯特郡風景畫、描繪美洲大陸的敘事畫《帝國之路》、凱特林的「印地安畫廊」、攝影發明後的巴黎街景、世博會的「活人展品」、畢卡索的《亞維儂的女人》…… 大衛．歐盧索加帶領讀者走過千山萬水，將那些連接各個文化的共享的歷史串連起來。 本書特色 BBC同名紀錄片《遇見文明》是2018年由BBC製作的藝術歷史系列電視紀錄片，由瑪麗．畢爾德、西蒙．夏瑪、大衛．歐盧索加共同主持，涵蓋六個大陸，三十一個國家，超過五百件藝術品。 專家力薦 尤芷薇　前華文媒體駐印度記者 吳宜蓉　Special教師獎得主╱作家 邱建一　藝術史學者 林秋芳　輔仁大學博物館學研究所教授兼校史室主任 林瑞昌　吉光旅遊總經理 各界讚譽 「歐盧索加是位機智又富創意的敘事者，對歷史充滿熱情，具有獨特的優雅魅力。」――《衛報》 「字句流暢易懂又簡單清楚……是一本可讀性很高又引人入勝的書。」――《星期日泰晤士報》 「沒有任何一本書，可以把這一段長期被忽略或否定的英國歷史，解釋得如此清楚、全面，讓讀者融會貫通。歐盧索加絕對是一位優秀的導覽員。」――亞當．霍奇希爾德（Adam Hochschild），著有《利奧

BBC同名紀錄片《遇見文明》集結成書。 這部2018年由BBC製作的藝術歷史系列電視紀錄片，由瑪麗．畢爾德、西蒙．夏瑪、大衛．歐盧索加共同主持，涵蓋六個大陸，三十一個國家，超過五百件藝術品。 若想了解文明，就必須知道從古至今人們怎麼觀看自己，如何塑造神祉。 用全新視角觀賞藝術作品，探討地理大發現以來，殖民者與被殖民者的文化交流與衝突。 ▍《人們如何觀看？：世界藝術史中的人與神》 「文明」這個概念在歷史上始終備受爭論，甚至為此引發戰爭。在這些爭議的核心存在著一個大問題，那就是人們──從史前到今天──怎樣描繪自己與他者（包括人與神）。著名歷史學家瑪莉．畢爾德在此探索創作者怎樣塑造藝術，而藝術又是怎樣塑造創作者。我們怎樣觀看這些圖像？為什麼它們有時如此充滿爭議？ 第一章〈我們如何觀看〉 歷史上某些最早的藝術作品如何呈現人體？而過去某種呈現人體的特殊方式，又是如何在今天依舊影響西方人看待自己文化與其他文化的態度？除了製作圖像的藝術家，那些使用這些圖像、觀看並詮釋這些圖像的人們，他們是如何觀看？ 古老奧梅克的石人頭、古希臘的人體雕像、埃及木乃伊棺木畫像、秦始皇的兵馬俑大軍、巨型法老王坐像、禁忌的裸體阿芙洛蒂雕像、《美景宮的阿波羅》、《垂死的高盧人》銅像…… 第二章〈信仰之眼〉 宗教一直是藝術創作的題材來源，但要讓天國在人間現形絕非易事。所有的宗教都必須處理偶像崇拜和破除偶像的問題，既製作藝術又摧毀藝術，透過〈信仰之眼〉，我們該如何理解這一切？ 阿旃陀洞窟壁畫、聖維塔教堂馬賽克、亭托雷多的《耶穌被釘十字架》、塞維亞的流淚聖母像、藍色清真寺中的書法、「破除偶像」後的伊利主教座堂、帕德嫩神廟…… ▍《文化如何交流？：世界藝術史中的全球化》 過去人們曾普遍相信文明是單一的，是從唯一一個來源傳播到世界某些地方的現象，這個信念如今也一樣問題百出。為了替歐洲發展海外帝國時進行的殖民冒險背書，各國都聲稱自己投身於一場偉大的「文明教化」事業，以此合理化自己對其他民族的統治。或許「文明」這個概念裡面唯一可肯定的，就是「文明」的對立面「野蠻」是有害的。 藝術傑作──無論是掠奪所得或是創作成果──都是我們理解歷史的關鍵。 第一章〈最早的接觸〉，帶我們探索大航海時代，當文明初次相遇，當時的藝術會受到什麼影響。毫無疑問這是一段征服與摧毀的時代，也是一段彼此好奇、全球貿易與思想交流的時代。 西非的「貝南青

藝師張秋山，人稱「朝枝師」，臺北大龍峒傳承百年的糊紙老店「茂興齋」第三代負責人，祖父張根乞、父親張通草皆為臺灣北部夙富盛名的糊紙司阜，老店曾連續十三年承製雞籠中元祭主普壇。張秋山以糊紙屋厝的製作最為擅長，其剪紙技藝更是一絕，作品呈現了老臺北的經典色彩。本書帶您瞭解臺北市無形文化資產的歷史與現況，並以茂興齋及張秋山的故事和眾多老照片，與您一同穿越時空，一窺老臺北糊紙技藝的精彩與美麗。

囊括最完整古今典藏 建構宏觀的藝術視野☆全球20大美術館聯合推薦，完整典藏！☆歷經10年、遴聘100位專業學者、耗資1000萬歐元、世界100大美術館首度界合作！

藝師李清榮，人稱「阿榮師」，出身祖傳三代的糊紙世家，技藝融合臺南、金門、臺北技法，青年時期受專業西式美術教育，在西方色彩欣賞、雕塑技巧、材料使用等美感與技巧的學習與訓練之下，創造出來的作品厚實飽滿、獨樹一格，在全臺醮事慶典與祈福法會大放異彩，也成為許多同業學習的對象。本書帶您瞭解臺北市無形文化資產的歷史與現況，並以李清榮的故事和眾多精彩照片，與您一同驚喜看見，傳統糊紙技藝如何在藝師手中發揚創新的活力。

【內容簡介】◎ 《紐約時報》高度讚賞，全世界最受歡迎的藝術讀物本書介紹三個部分的內容――繪畫、建築、雕塑。針對這三個部分，作者都是按照編年體的形式，描述世界各地的繪畫、建築、雕塑歷史，將家喻戶曉的藝術作品以生動有趣的形式呈現在我們面前，讓這些看似距離日常生活十分遙遠的藝術變得觸手可及，使我們對古今的藝術作品有全面的認識，從不知變為行家。本書被歐美國家譽為「最受歡迎的藝術讀物」，已翻譯成20多種語言，全球銷售超過1000萬冊！◎ 美國外交部鼎力推薦，媒體票選「影響一生的十大圖書」之一作者詳細介紹那些赫赫有名的藝術家和他們流芳千古的作品，並且透過許多生活中的故事，講述作品的誕生過程。本書收錄上百幅最具代表性的藝術作品圖片，包括：古埃及、古希臘、義大利、德國、荷蘭、西班牙、法國、英國、美國等國的名家作品，集知識性和趣味性於一體，目的在於：將藝術世界以生活化的姿態呈現在讀者面前，喚起讀者對藝術的熱愛。◎ 維吉爾．希利爾――全球「自學教育」課程首創者，影響美國教育百年的人物哈佛大學畢業以後，希利爾投身於中小學教育。1899年，他成為「卡爾維特學校」第一任校長。作為教育家的希利爾，一直在思考如何把複雜知識變得簡單有趣。因此，他結合自己的教學經驗以及人類成長的規律，為讀者編寫一套妙趣橫生的讀物，就是這套叢書的由來。

《陳澄波全集第十卷．相關研究及史料》內容以收錄「展覽資料」為主軸，具有兩項特殊意義：一、以「陳澄波作品的公眾展示紀錄」為角度編撰的專書；二、以「展覽史」的角度來理解陳澄波，透過跨越臺灣不同時代的全面史料積累，去探討、整理出一個藝術家的展覽歷程。 本卷試圖從收集陳澄波生前參與過的展覽，以及過世之後各類型重要展覽的紀錄，來呈現在藝術家生涯中除了創作以外最重要的活動。以本卷為基礎，期望能讓讀者從中思考、發掘藝術家在各個展覽間，是否有創作上與態度上的差異？並以不同於作品分析的角度來了解一個藝術家，思考藝術世界的核心業務「展覽」與藝術家的創作、甚至是觀眾的理解與詮釋、社會的趨勢等多個面向之間，彼此有什麼樣的互動與影響。本卷對於陳澄波展覽的整理只是一個開端，期望透過本卷的出版能夠協助其他研究者在此基礎上，對於陳澄波的藝術生涯有更多樣的理解和更深刻的探索。

▌藝術很難嗎？句句有梗就不難 ▌ 藝術史──太學術｜太傳統｜太閉塞｜太高冷｜ 你的痛點，這一本都知道 ＝ 專接地氣的藝術講堂 ＝ 希望把快樂帶給你，把些許知識留給你 一讀就懂的破梗金句，最基本的常識＆理念 ●900多萬用戶粉絲，八年累積誠意之作● ●腦補3萬年藝術史框架，迅速提升看展力● 從史前到當代，多角度解讀150幅名畫經典 文藝復興、洛可可、新古典、超現實，一次通曉20個藝術流派 達文西、林布蘭、畢卡索、達利，揭祕40位出國看展必知的大師故事 「我們常常被『藝術』兩個字嚇倒，覺得它高高在上，離我們很遙遠。 但其實，我們只須記住，藝術不是外星人突然丟到地球上的包裹， 而是一代代藝術家用自己的作品推動、發展得來的精神產物。」──意公子 ▌速速建立你看展時，最需要的基本常識──藝術史框架 ◎藝術的起源是畫個圈圈詛咒你？古希臘崇拜女神還是女漢子？ ◎原來文藝術復興前的藝術，「情緒」是什麼？大家從來沒聽說過…… ◎達文西是史上最牛左撇子？卡拉瓦喬是喝酒、賭博、打架的藝術流氓？ ◎大衛死在浴缸就算了，還被全世界圍觀！貴族庫爾貝就是矯情？ ◎馬奈讓畫中人光著身子野餐？想想還真有點小激動！ ◎印象派藝術家突然發現，照相機不僅「畫」得比他們像，還比他們快！ ◎高更說：「不跑遠一點，我怕甩不掉梵谷……」 ◎梵谷說：「我是你們大家最熟悉的陌生人啊。」 ◎誰畫出了畫布上的 3D 大片？為何名畫這麼醜？也是藝術？ ◎為何現代藝術家拼命去「畫得不像」？ ◎你以為立體派已經夠大膽，但當代藝術卻讓你更加懷疑人生？！ ▌藝術草根，堅持把藝術變簡單 作者意公子初入藝術創業圈時，一沒有專業背景，二沒有高調營銷手段，三沒有任何藝術圈人脈資源，甚至連拍賣會美術館的保全都不認識。她主講的首檔藝術類脫口秀《藝術很難嗎》等一系列影音節目，點播率卻超過32億。一個草根要如何超越已經在藝術圈穩紮穩打資源豐富的同行呢？ 意公子笑說：「就是因為不專業，反而更知道大家對藝術的痛點是什麼。」不是不喜歡，而是藝術傳播方式和語言都太閉塞、太傳統，呈現的方式太學術、太難懂，很少人用大眾普遍能理解的語言去表達藝術品的美麗，也少人去挖掘藝術家創作背後的感人故事，難以產生共鳴，所以這本書從一開始寫，就是要以一種最接地氣的方式講藝術，提供認識藝術最基本的知識與理念。 從西方文明源頭開始，文藝復興、巴洛克、新古典主義，再到

#《達文西傳》《賈伯斯傳》作者力作比爾蓋茲2018年夏季選書達文西傳記扛鼎之作歷史上最有創造力的天才達文西，他的人生、他的成就與他能教給我們的奧祕 達文西留下了驚人的筆記本，高達數千頁，華特．艾薩克森閱讀了7200頁的筆記內容，加上無數關於達文西人生和作品新發現的專研著作，編織出這本書，把達文西的藝術連接到他的科學，也把他的科學連結到他的藝術。達文西的創造力跟其他偉大的創新者一樣，來自人性與科技的交會。他為了畫得更真實而去研究解剖學，了解人體神經、骨骼、肌肉、肌腱與關節的位置與動作方式，於是在筆記上留下各種解剖畫；他也畫下脊椎與神經，是第一個做了解剖青蛙紀錄的科學家；他從死屍臉上剝下血肉、畫下移動嘴唇的肌肉，然後繪出歷史上最讓人難忘的微笑，《蒙娜麗莎》；他探索光學的數學，證實光線撞擊到角膜的方式，製造出《最後的晚餐》裡視角變化的幻象，讓每個觀看者在各種角度與位置觀看這幅畫時，都有不一樣的感受；他研究情緒變化，想要畫下「靈魂的動作」，所以《最後的晚餐》中的十二位門徒各自有不一樣的神態與情緒流露；因為觀察地質與水文，所以《岩間聖母》背景上的岩洞地質紋理逼真且受到地質學者的認可、畫中植物受到植物學家讚賞……達文西持續想要讓他的畫作更臻完美，一直埋首於各種新知識的研究，因而留下了許多「未完成的完美」。但是艾薩克森描述的不只有達文西的作品與研究，他也依據達文西的筆記和各種研究，寫下達文西的個人生活、他對沙萊的愛恨情緒、他對米開朗基羅的「文人相輕」與他們之間持續不斷的「競爭」、身為師表他如何教導弟子……讓我們看見偉大藝術家的各種真實人性向度。還有，他也描述了達文西一生對戲劇作品與表演的熱愛，那種熱愛也展現在他的所有畫作和各種奇妙發明上。艾薩克森讓讀者看見達文西的天分以及他的技能，以及我們如何向他學習，例如強烈的好奇心、謹慎的觀察，以及充滿趣味、近乎奇幻的想像力。在這部傳記中，我們看見了達文西何以是天才，何以達文西能有如此成就！#《破解基因碼的人》一出版就空降《紐約時報》暢銷排行榜第1名亞馬遜書店2021年3月選書比爾蓋茲2021年假日選書亞馬遜書店四千多則評價，平均4.7 顆星Goodreads七千多則讀者評價，平均4.4顆星。《賈伯斯傳》、《達文西傳》作者最新力作2020年諾貝爾化學獎得主珍妮佛．道納傳記，她的研究足以改變人類歷史！內容包含當前最熱議題：

這是一部新藝術史；一部技術與藝術的關係史；更是從技術的視角重新認識西方藝術的批評史──【藝術】藝術是一種創造性活動，是人類文明的重要表現和佐證。藝術不僅有著悠久的歷史，對人類的生活更是產生各種影響，甚至影響未來文明的走向。因此，對藝術現象及藝術的歷史進行研究有著重要的意義。【藝術史】藝術史的傳統，最早可以追溯到文藝復興時期。藝術史學的發展歷程，大致經歷了以下幾個階段：➤實踐或萌芽階段藝術史創始人是文藝復興後期的喬吉奧·瓦薩里，他因為他的不朽著作《義大利最傑出的建築師、畫家和雕塑家傳記》而獲得至高的榮譽。他的成功和影響是很巨大的，直到今天，依然有許多藝術史家在向他學習。➤現代藝術史時期布克哈特與他的學生沃爾夫林企圖透過對不同時期和不同流派的藝術風格特徵進行分析，把嚴格的規範納入藝術、文化研究中，而這就是興盛於20世紀前期的形式主義研究方法。➤歐洲傳統的現代藝術史的繁榮時期大批受到納粹迫害的德國學者致力於在特定的歷史情境中闡釋藝術品的主題，從而來反對極端形式主義。因此，藝術史形成了精神分析、心理學、社會學等眾多藝術史理論，而傳統藝術史進入了黃金階段。➤對傳統的反思階段在20世紀末期，西方就不斷出現這樣的警告──藝術史學科需要反思。貝爾廷認為藝術史最大的問題是對藝術史的定義和學科發展的目標缺乏基本的共識。而因學術觀點不停被爭議、被研究，使藝術史學不斷的得到完善。★本書特色：本書以時間為緯線，以技術、藝術產生發展及其影響為經線，針對西方各地區、各時間的技術與藝術進行介紹與講解，並解讀藝術與技術為彼此帶來的影響。書中不乏對歷史的梳理和一些觀點的探究。書中附有精美插圖，以期豐富全文並更好的配合全書。

代序：從身體感知到精神狀態蕭瓊瑞／撰文（節錄）一九八○年代的南台灣藝壇，出現了幾支健筆，右手畫畫，左手寫文；有的擅於創造議題、有的長於帶領風潮、有的嘻笑怒罵、潑辣批判……，在在影響深遠，帶起的「南方」聲浪與思維，即使進入二十一世紀，仍波瀾壯闊、餘音未歇。不過在諸多健筆中，以文思之細膩、觀察之深刻、涵養之寬闊，乃至辭章之獨美，顯然仍以跨越雙城（高雄、 台南）的陳水財獨領風騷。出生台南鹽份地帶、居住高雄大都會，卻又任教台南大學校園，文章和畫畫同款，既有高雄的生野地氣，又富府城的文雅內斂，然而更重要的，是帶著「煮海成鹽」的凝鍊、精粹，那是經時累月、慢火熬煮的一鍋濃湯，細細品味、回甘不斷，反覆閱讀、餘韻無窮。 陳水財的藝思文采，早在一九九○年代，即被發掘，當年高雄由一批對城市建構懷有夢想與期待的年輕企業家，將夢想與期待落實為行 動，合資創立南台灣最具規模的「炎黃藝術館」，並發行《炎黃藝術》雜誌。首要工作，便是說服任教成功大學建築系的陳水財，接受擔任雜誌主編的職務；陳水財於是編寫兼顧，終於撐起南台灣當代藝術發展的半邊天；也為1995年高雄市立美術館的成立，進行了最紮實的共 識凝聚與學術奠基。 1996年，炎黃藝術館轉型為山美術館，《炎黃藝術》也轉型為《山藝術》，陳水財始終扮演著智囊兼操刀手的主軸性角色。而事實上，早在1986年，陳水財甫自台灣師大美術系畢業分發高雄服務未久，即糾結一群藝術同好，共創《藝術界》雜誌，為當時沈悶的藝壇，投入震撼彈；以及稍後（1994）的《南方藝術》等幾個刊物，也成為蘊生南台灣幾支健筆的重要園地。 倏忽三十年的時光飛逝，健筆中的幾位，搭上早班車，榮歸天國，陳水財也自教壇退休；畢生創作的藝術作品，已經多次應邀整理發表，也出版專輯；唯獨這些和創作同時進行的藝評文字，始終散佈在不同的期刊、畫冊、研討會論文集中，甚至連本人都已不復記憶，也查索不得了！ 在藝壇同好的催迫、鼓勵下，陳水財終於勉力將這些舊文儘可能的搜尋、聚集；時空全異，但文章重新閱讀，仍然靈光閃爍，值得合輯出版，作為時代的印記與備忘。 全書依性質，分為五輯： 輯壹，可稱為〈藝術家論〉。依藝術家生年先後，分別論述了陳澄波、李石樵、馬電飛、莊世和、陳英傑、羅清雲、劉文三、李朝進、楊成愿、黃步青、王信豐、李錦繡、倪再沁、吳梅嵩、許自貴、李俊賢、李明則、張明發、吳玉成、黃文勇、黨若洪等二十一位藝術家的創作

本書特色白適銘、李思賢、林育淳、邱函妮、姜麗華、陳曼華、盛鎧、 曾少千、黃智陽、廖新田、蔡家丘、賴明珠、謝佳娟等十三位專家學者，從書畫、油畫、攝影三大領域的藝術創作，綜論臺灣藝術史自日治到戰後以迄當代，對於本土性與現代性的雙軌追求與多元樣貌。序【序】桃園學花朵盛開，榮耀臺灣美術史：為《現在進行式：臺灣藝術史的光影實錄》敬致喝采一、「臺灣美術史」從被遺忘到被重建的滄桑 在政府提出「重建臺灣藝術史計畫」的鼓勵之下，各個領域的臺灣藝術史得以蓬勃發展，花開遍野，儼然成為顯學。相較於過去臺灣一詞仍是禁忌而整個臺灣史也被視為畏途的時代，臺灣藝術史如今能夠得到重視，我們真有「山窮水盡疑無路，柳暗花明又一村」的感慨與感動。感慨的是回首許多前輩一路走過的滄桑，他們曾經窮苦潦倒，孤獨寂寞，感動的是含辛茹苦如今已被看見，得到感恩與懷念。當我們今天享受自由，我們還是應該記得他們曾經暗夜低泣。 「臺灣美術史」是一個經歷被忽視、被遺忘、被發現與被重建的知識領域。「臺灣美術史」的歷史跨度非常漫長，可以遠溯舊石器時代晚期的史前時期、五千年前南島語族開始活躍於這個島嶼、荷蘭與西班牙時期、鄭氏王朝時期、清領時期、日治時期與中華民國時期。但是，臺灣美術史往往以現代美術為觀點，而被認為始於日治時期，而忽視在這以前的時期。日治時期臺灣史被放進日本史的脈絡，臺灣社會也因此尚未形成臺灣美術史的觀念。 「臺灣美術史」的觀念首次提出是1955年王白淵在《臺北文物》發表〈臺灣美術運動史〉，1958年再為《臺灣省通志稿：藝文志》撰寫「臺灣美術」一章，只不過時值戒嚴時期，臺灣史又被放進中國史的脈絡，行筆多所顧慮，未能暢言。「臺灣美術史」也就被遺忘，直到1976年謝里法開始在《藝術家》雜誌連載臺灣美術史文章，並於1978年出版《日據時代臺灣美術運動史》一書，已被遺忘的歷史斷層才又重新被發現。謝里法一書完成於異鄉的寒夜孤燈，一方面遭遇黑名單不得歸國的困境，史料都是苦求而得，二方面也沒學術經費做為後盾，字字血淚，正可見證臺灣美術史最初的滄桑。 1987年解除戒嚴以後，風氣漸開，自1995年王秀雄《臺灣美術發展史論》出版以來，至今臺灣美術史研究雖然不能說是果實累累，卻也可以說是開枝散葉。2016年政府提出「重建臺灣藝術史計畫」，確實是讓這個知識領域得以從被發現跨進被重建。所謂「重建」，應該不只是讓臺灣美術史成為一個學術研

本書特色★從西廂記繪畫開始，進入中國版畫、年畫、「西洋鏡」畫片世界★國內外公私典藏機構授權，上百幅彩色圖版見證明清以來中西藝術、文化交流序PREFACEThe Romance of the Western Chamber, Xixiangji, has the iconic status in China that Romeo and Juliet has in the West. Both plays center around star-crossed lovers and feature protective parents and secret meetings facilitated by wily maids. But the most striking similarity lies in the extent to which both works have captured―and held―the public imagination over several hundred years. However, if both plays have been performed, adapted, and reimagined countless times, The Romance of the Western Chamber parts ways with its Shakespearean descendant by having also become an established resident of the visual arts.All of the key scenes in this tense (but ultimately happy) 21-act play have made their way onto porcelain and lacquer, and into paintings, printed books, and single sheet prints. We will perhaps never completely understand why the love story between the young scholar Zhang Sheng and the beautiful Yingying,

賴純純1953年出生於臺北，開明的父母從小就讓她有自主的空間，中學時期因美術方面的突出表現，再加上父親的鼓勵，之後考入中國文化大學美術系就讀。就讀期間，廖繼春老師在繪畫色彩上的觀念及掌握，讓賴純純領會了色彩本身，即可成為表現主體的可能。畢業後赴日進修，取得日本東京多摩美術大學藝術學院碩士，1981年又轉往美國紐約普拉特版畫中心學習。在美期間，畫布邊緣轉折給予她空間層次表現的啟發，繼而開始單色色面並置、幾何雕塑的色彩實驗，探索繪畫邊緣的可能性。1985年開始投入立體創作，以透明壓克力板、木材及顏料等媒介，進行低限、構成、材質等觀念的探討，「存在與變化」系列尤為其要。在這個時期，她參與春之藝廊「超度空間」的展覽，其創作觀將空間視為一種反應時間變化的實體，自此亦成為1980年代臺灣現代藝術發展的健將。1986年獲得第２屆中華民國現代雕塑展首獎，抽象造型的裝置作品敘說其關於時間與空間的省思，同年成立SOCA現代藝術工作室（Studio of Contemporary Art），聚焦於「空間、色彩、結構、自然」等創作理念的深化探究，以活動、教學、觀念研習為方法，促進國內藝術拓展及國際藝術交流，是臺灣「替代空間」的先聲。賴純純除了在臺灣活動，也前往世界各地駐村創作，以1990年代的「心」系列為代表，逐漸強調出東方哲思與傳統的關聯。賴純純的創作除了一貫的造形關懷，更將來自生活的圖像導入作品，並發起臺灣女性藝術家協會，關心女性在藝術體制中的處境。1990年代晚期開始投身於公共藝術創作，落腳臺東，持續創作至今。綜觀賴純純的創作精神，始終指向生命存在的哲思，並透過造形藝術的語言傳達。「存在與變化」這一命題，也成為貫穿她四十餘年來創作的核心。

李小鏡1945年出生於四川重慶， 四歲時隨家人來臺，從此成長於臺灣眷村，落地生根，成為名副其實「外省第二代」。於1964年進入中國文化學院美術系就讀，主修西畫，大四期間在「光啟社」學習動畫，奠定往後創作新媒體藝術的基礎。二十六歲時前往美國費城藝術學院攻讀碩士，1972年取得畢業證書。碩士畢業後李小鏡深根紐約，不久即在競爭激烈的設計界立足，連年獲得國際創意及攝影大獎，成為極少數的亞裔創意人，順利在國際舞台上嶄露頭角。在青年時期就獲得商業藝術巨大成就的他，不但沒有因此自滿，反而激發出他向上提升、突破自我的慾望。1980年代李小鏡於紐約蘇荷區成立設計及攝影工作室，以紀實攝影展開純藝術創作生涯。隔年李小鏡應《中國時報》及《時報周刊》邀請，前往中國拍攝《今日古運河》攝影專輯；同年回到臺灣，在臺北版畫家畫廊舉辦生平第一次個展。1993年起李小鏡因應數位科技浪潮，開始嘗試創作數位藝術；千禧年後更運用多元化技術，如影音媒材和場域裝置等，創造沉浸式的藝術體驗。2003年代表臺灣參加第50屆威尼斯雙年展，這是他以多媒體型態呈現藝術理念的開端；2005年又以主題藝術家的身分受邀參加奧地利「林茲電子藝術節」，從事數位創作多年，終於揚名國際。作為一位新媒體藝術領航者，李小鏡的作品於2005年被編入英國牛津大學藝術教科書，成為極少數享譽國際的華裔藝術家，也是眼光遠大的數位藝術拓荒者。李小鏡創作成果豐碩，重要藝術作品包括：「十二生肖」系列、「審判」與「108眾生相」系列、「自畫像」與「源」系列、「夜生活」系列、「成果」系列、「叢林」與「夢」系列、「馬戲團」系列、「N．E．X．T」系列等等。